Artisti senza quadri, la rivoluzione del XXI secolo

Fumetti brutti e altre idee creative

In un tempo non molto lontano, il fan di un disegnatore o di un pittore avrebbe fatto carte false per collezionare tutti i suoi lavori, facendosi autografare opere durante fiere o festival, partecipando ad aste e così via. Oggi l’unico modo per essere vicini a personaggi dei quali si condivide l’etica professionale o l’approccio all’arte è aspettare pazientemente che raccolgano parte dei loro lavori in libri o in mostre, perché altrimenti l’unico modo di vederli all’opera è seguirli sui profili social.

Succede con stranieri a loro modo pionieri di questo tipo di atteggiamento come Kate Beaton, ma oggi il panorama è molto affollato anche in Italia: Fumettibrutti o Enrico Pantani hanno una presenza virtuale che travalica quella tangibile. Lo stesso Zerocalcare è stato per lunghi anni molto più prolifico online che non… in presenza.

La parabola di Natalya Lobanova

Il caso dell’illustratrice londinese di origine russa è particolarmente significativo: nel giro di tre anni appena, è passata da disegnare vignette satiriche sul proprio sito a creare videoclip per musicisti come Kae Tempest, diventando una presenza familiare anche per i lettori del prestigioso settimanale New Yorker, che ha conquistato grazie al suo sarcasmo. Solo nel 2022 è uscito un volume che raccoglie le sue strisce più famose, Everyone is Awful, che in qualche modo ha dato un… contentino ai suoi follower, 150.000 solo su Instagram.

Il volume antologico, che pure per moltissimi sarebbe un punto di arrivo, per i fan di Lobanova è un’appendice: sono contenti di continuare a condividerne le battute più irresistibili sotto forma di meme via messaggistica istantanea, e accorrono quando invitati a partecipare a conferenze e altri eventi pubblici.

Lungi dall’annacquare il valore dei lavori dell’artista, la condivisione sistematica dei suoi disegni sta trasformandola in una sorta di influencer del disegno: un ruolo al quale ambiscono altri giovani colleghi in giro per il mondo. L’artista di oggi continua, insomma, ad adattarsi al mondo che lo circonda. Anche rinunciando alla materialità.

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La cultura… al casinò

Avete mai giocato al casinò? Pensiamo proprio a quelli tradizionali, dalla musica tranquillizzante di sottofondo, la cassa dove cambiare il denaro in fiches, i croupier sempre professionali e… sempre gli stessi giochi. Già, anche se conoscete i casinò solo attraverso i film e telefilm che vi hanno ambientato le loro trame avvincenti, saprete perfettamente che c’è poco da fare in queste grandi sale se si ama la varietà: infinite file di slot machine, qualche tavolo per Black Jack e Poker e poco altro! Per fortuna non è così dappertutto… Uno studio sulla storia dei giochi Quando i giochi per soldi hanno iniziato a prendere piede anche online, gli imprenditori del comparto si sono impegnati per non commettere lo stesso errore delle loro controparti fisiche: per evitare che un nuovo utente preferisca una piattaforma all’altra, non ci vogliono solo offerte di benvenuto generose o playthrough abbordabili, ma anche una proposta intelligente, con giochi poco noti e ingaggianti. Per questo le case di software specializzate in gambling hanno iniziato a lavorare in maniera sistematica sulla ricerca di giochi da affiancare a quelli più famosi. Basti prendere come esempio StarCasinò, che ha ritenuto di indagare sul gambling presso altre culture: Dragon Tiger, nella sezione dei giochi dal vivo, viene da Macao ed era già apprezzato nell’equivalente del nostro Medioevo; Pai Gow, un equivalente del poker, arriva invece dalla Cina. L’idea è che il gioco d’azzardo abbia sempre fatto parte della natura umana, qualunque fosse la zona del mondo presa in considerazione, e grazie a questi studi storici oggi è possibile avvicinarsi ad altre culture attraverso il concetto della gamification: e in più si può anche pensare in grande, diventando campioni grazie a qualcosa di inventato centinaia di anni fa!

Game director e game producer: i nuovi Michelangelo

Quando insistiamo sul fatto che molti videogiochi sono autentici capolavori artistici, sono tanti i non appassionati che ci guardano con sbigottimento: anche quando capiscono la portata rivoluzionaria di certi titoli, non vedono lo sforzo artigianale che sta alle loro spalle. Per tale motivo questo nuovo post è un omaggio alle figure creative che partoriscono le idee che poi diventeranno giochi. Sono disegnatori, programmatori o animatori che sono arrivati fino ai vertici delle proprie aziende fino a diventare game director o game producer, i visionari del mondo dei giochi. Da Neil Druckmann a Hideo Kojima Avete mai sentito parlare di The Last of Us o di Metal Gear? Sono fra i videogame più apprezzati di sempre, e i due signori indicati nel titolo sono coloro che li hanno immaginati partendo da zero. Oggi oltre a essere milionari Druckmann e Kojima hanno anche cambiato il modo di progettare videogiochi, e sono centinaia le case di software nate per stare al passo col loro approccio al lavoro di game design. Basti pensare a cosa succede agli studios che lavorano con i casinò online: siamo passati da semplici simulatori di tavoli di poker a prodotti che in qualche caso non solo hanno più livelli e narrazioni complesse, ma che per cura dei dettagli possono competere con i titoli maggiori in vendita sulle principali piattaforme ludiche. Basta scaricare l’app del casinò come Starcasino per rendersi conto, anche da neofiti, della cura che è stata messa in ogni parte del programma: solo pochi anni fa sarebbe stato impensabile giocare con altrettanta fluidità dal proprio dispositivo portatile. Tanto di cappello, allora, a James Cook di Playtech, fra i responsabili del progetto: un invidiato professionista, che al pari di personaggi come Darren Sugg di Fortnite o Yoko Taro stanno rivoluzionando il modo in cui giochiamo online.

Tra tv e musica: i festival eterei

Molti di noi hanno sviluppato le proprie passioni per certe forme di arte pop quando era difficile, se non impossibile, trovare luoghi dove condividerle con altre persone: festival, conferenze, raduni e fiere, nello specifico. Fortunatamente i tempi sono cambiati e più maturi, e anche se certi eventi rimangono di nicchia, l’Italia è diventata ricettiva nei confronti di queste forme di passatempo, e quindi esistono diversi appuntamenti per approfondire su queste arti effimere. In questo post, nello specifico, vogliamo parlare di quelli che si occupano di videoclip e serie tv. IMAGinACTION a Comacchio Per due giorni la cittadina lagunare in provincia di Ferrara diventa sede di questo festival internazionale dedicato al videoclip musicale, che oltre a proiettare lavori al centro di focus di approfondimento mette al centro artisti che raccontano la propria evoluzione per immagini, raccontando aneddoti e curiosità dai set di quelli che sono veri e propri film in miniatura. MEI a Faenza Sempre in Romagna, da un quarto di secolo si svolge il Meeting delle Etichette Indipendenti, più noto come MEI. Anche se questo festival si occupa nello specifico di discografia, una parte del programma è dedicato all’analisi e alla premiazione del miglior videoclip alternativo: il premio si chiama Premio videoclip indipendente e vede in giuria alcuni dei migliori registi e giornalisti di settore della Penisola. FeST a Milano Dopo la parentesi del Roma Fiction Fest di metà anni 2000, finalmente gli appassionati di telefilm possono tornare a incontrarsi a Milano, dove negli ultimi giorni d’estate si svolge questo Festival delle Serie TV: qui si possono incontrare attori e registi e approfondire sulle tendenze narrative del momento. Festival della TV a Dogliani In provincia di Cuneo ogni anno si svolge un ulteriore appuntamento dedicato all’intrattenimento televisivo. Questo ha un approccio maggiormente di laboratorio, e qui si sviluppano anche idee per il futuro che prendono in considerazione le grandi trasformazioni causate dall’esplosione delle piattaforme streaming: nel fuggi fuggi dalla tv generalista, qui è dove si discute di come riportare… il grande pubblico verso il piccolo schermo!

Action figure: gli oggetti d’arte da bambini

Per il grande pubblico, le action figure che sono diventate di moda nell’ultimo periodo non sono altro che una versione più cresciuta dei soldatini, un hobby per ragazzini e poco più. Esattamente come i pupazzetti di plastica che ci divertivano da bambini, però, anche queste statuine possono raggiungere valori elevatissimi ed essere scambiate con altri appassionati a prezzi che possono arrivare ai 3000 Euro! Occhio alla firma… e ai falsi In questo post vogliamo darvi qualche indicazione per imparare a distinguere capolavori da prodotti dozzinali – esattamente come succede nel mondo dell’arte… tradizionale! Innanzitutto una premessa: tutto ciò che è collezionabile raggiunge quotazioni importanti se conservato in un certo modo, e per molti insospettabili Funko pop o altre figurine in vinile sono diventati un vero e proprio bene rifugio. Fra gli insospettabili appassionati di action figure ci sono Leonardo Di Caprio, il deejay Steve Aoki o anche Justin Bieber. A creare valore, come spesso accade nel settore del collezionismo, è la scarsità del bene: meno un oggetto è disponibile, più costerà. In questo caso, le action figure a tiratura limitata valgono più di quelle prodotte in serie, e quelle usate sono più cheap rispetto a quelle nuove e mai aperte… Come i francobolli. Non bisogna trascurare i produttori: Tsume Art, Tamashii Nations, Iron Studios, Bandai, Banpresto sono i nomi dei grandi marchi di questo comparto. Per chi si voglia costruire una collezione in questo senso, questi brand (e i loro sigilli-firma apposti sulle figure) sono una garanzia di qualità perché visto il costo molto elevato non mancano i contrabbandieri e i falsari… Già, esattamente come succede con quadri e sculture! Due universi molto simili I collezionisti all’antica potranno scandalizzarsi per questa similitudine, ma è proprio così: cambia l’oggetto e la fascia d’età a questo interessata, ma meccanismi di accumulo e rischi sono gli stessi. Per questo è importante osservare le stesse cautele, acquistando solo in negozi specializzati o, se nelle fiere, in stand di distributori ben noti. Questo permetterà di costruirsi una raccolta seria e che un domani potrebbe rappresentare un bel gruzzoletto di emergenza per togliersi qualche sfizio importante. Anche questa, dopotutto, è arte!

Natalya Lobanova e gli altri artisti intangibili

Nell’epoca degli NFT e delle criptovalute, si stanno imponendo sempre di più artisti che ostinatamente associano a un’attività tradizionale anche quella del tutto immateriale: in altre parole, i loro lavori possono essere goduti prevalentemente online. Fumetti brutti e altre idee creative In un tempo non molto lontano, il fan di un disegnatore o di un pittore avrebbe fatto carte false per collezionare tutti i suoi lavori, facendosi autografare opere durante fiere o festival, partecipando ad aste e così via. Oggi l’unico modo per essere vicini a personaggi dei quali si condivide l’etica professionale o l’approccio all’arte è aspettare pazientemente che raccolgano parte dei loro lavori in libri o in mostre, perché altrimenti l’unico modo di vederli all’opera è seguirli sui profili social. Succede con stranieri a loro modo pionieri di questo tipo di atteggiamento come Kate Beaton, ma oggi il panorama è molto affollato anche in Italia: Fumettibrutti o Enrico Pantani hanno una presenza virtuale che travalica quella tangibile. Lo stesso Zerocalcare è stato per lunghi anni molto più prolifico online che non… in presenza. La parabola di Natalya Lobanova Il caso dell’illustratrice londinese di origine russa è particolarmente significativo: nel giro di tre anni appena, è passata da disegnare vignette satiriche sul proprio sito a creare videoclip per musicisti come Kae Tempest, diventando una presenza familiare anche per i lettori del prestigioso settimanale New Yorker, che ha conquistato grazie al suo sarcasmo. Solo nel 2022 è uscito un volume che raccoglie le sue strisce più famose, Everyone is Awful, che in qualche modo ha dato un… contentino ai suoi follower, 150.000 solo su Instagram. Il volume antologico, che pure per moltissimi sarebbe un punto di arrivo, per i fan di Lobanova è un’appendice: sono contenti di continuare a condividerne le battute più irresistibili sotto forma di meme via messaggistica istantanea, e accorrono quando invitati a partecipare a conferenze e altri eventi pubblici. Lungi dall’annacquare il valore dei lavori dell’artista, la condivisione sistematica dei suoi disegni sta trasformandola in una sorta di influencer del disegno: un ruolo al quale ambiscono altri giovani colleghi in giro per il mondo. L’artista di oggi continua, insomma, ad adattarsi al mondo che lo circonda. Anche rinunciando alla materialità.